Anisha Singh en
28 de noviembre de 2019
¿Qué es la cinematografía?
La búsqueda de la narración visual está en el corazón de la producción cinematográfica. Este arte de contar historias, combinado con la fotografía y el trabajo con una cámara en una película, es lo que se denomina cinematografía.
La cinematografía, como término, no sólo se utiliza en el campo del entretenimiento; también puede emplearse en la ciencia, los negocios y los medios de comunicación. Según la definición de la Sociedad Americana de Cinematógrafos (ASC), la cinematografía no es sólo la documentación de lo que ocurre, sino también la creación de un arte original mediante un proceso iluminador y creativo.
Contar una historia propia y única, ideando un lenguaje visual, requiere un talento natural innato y conocimientos de fotografía profesional. Además de la fotografía, un director de fotografía utiliza otros medios como la manipulación de imágenes, la organización, la gestión, etc. para conseguir el resultado deseado. Si una película tiene que proyectarse en la gran pantalla, los cineastas suelen gastar la mayor parte de su presupuesto en una cinematografía de alta calidad.
¿Qué hace un director de fotografía?
También conocido como Director de Fotografía (DP), los directores de fotografía son los que captan la historia en imágenes utilizando una cámara. Los directores de fotografía tienen que gestionar todos los elementos visuales de la película, como la iluminación, la composición, los tonos de color, los movimientos de cámara, etc. Así, el director de fotografía decide si hay que rodar una escena en gran angular o de cerca, en alto o en bajo, nítida o borrosa.
Los directores de fotografía dirigen a todo el equipo que trabaja con la cámara y las luces de una película. Su función es trabajar junto con el director para garantizar que se cumpla la visión del director. Tienen que trabajar en equipo y tomar decisiones complejas.
Por lo general, el director da instrucciones sobre el aspecto visual de una escena y el director de fotografía tiene la responsabilidad de conseguirlo. En la mayoría de los casos, el director de fotografía tiene mucha libertad creativa. Sin embargo, el director también puede dar instrucciones precisas sobre el resultado exacto que desea.
La Sociedad Americana de Cinematógrafos premia a los mejores directores de fotografía de la industria. Les permiten utilizar "ASC" antes de sus nombres en los créditos de la película.
A continuación se detallan algunas de las responsabilidades de un director de fotografía:
Configuración y colocación de la cámara
El director de fotografía tiene que decidir dónde colocar la cámara en una determinada toma. Si el director de fotografía decide poner distancia entre el sujeto y la cámara, entonces transmitirá un significado diferente que cuando la cámara está a corta distancia. Tienen que decidir qué cámara y qué objetivos utilizar para retratar un estilo y un significado determinados. Algunos factores importantes de la cámara son la resolución, el muestreo de color y el obturador, que ayudan a los directores de fotografía a expresar lo mejor con la luz y la posición. Lo importante no es sólo la calidad, sino cómo los visuales cuentan la historia.
Movimiento de la cámara
El movimiento de la cámara también desempeña un papel fundamental a la hora de determinar el resultado de la película. Normalmente, en una película de acción, los directores de fotografía siguen la acción a través de la cámara para transmitir el movimiento rápido, mientras que pueden mantener la cámara fija para mostrar la intensidad del momento.
Composición
La composición es lo que decide el aspecto de una escena. Los directores de fotografía tienen que determinar dónde colocar cada elemento de una escena concreta. Pueden decidir si mostrar u ocultar ciertos elementos del encuadre. Un encuadre ajustado de un sujeto puede resaltar las emociones o crear misterio sobre lo que está ocurriendo alrededor del sujeto. También se puede retratar una escena de forma que el sujeto de la película no se dé cuenta de lo que está ocurriendo a su alrededor mientras que el público sí. Estos métodos de composición pueden determinar la forma en que el público interpretará la historia.
Coordinación
Los directores de fotografía tienen que coordinarse con otros miembros del equipo, como el director de exteriores, para investigar las localizaciones y determinar los puntos de vista de la cámara. Pueden dar su opinión sobre las localizaciones al director y mejorar los efectos visuales.
Iluminación
¿Te has dado cuenta de que, por lo general, una película de suspense tiene una iluminación bastante oscura mientras que una comedia es brillante? La iluminación es algo que la gente no nota de forma natural. Pero sí cambia el estado de ánimo de la película. La iluminación de alto nivel suele utilizarse para mostrar emociones divertidas y alegres, y la iluminación de bajo nivel suele utilizarse para mostrar emociones misteriosas y malhumoradas. Por eso los directores de fotografía tienen que ser expertos en ello y tienen que aprender tanto la luz artificial como la natural. Y tienen que saber cómo aportar el contraste, la profundidad y las formas adecuadas en una escena. Los directores de fotografía diseñan el sistema de iluminación de toda la película, y el técnico de iluminación principal es la persona que ejecuta el diseño.
Cámaras y objetivos para cineastas
Es responsabilidad del director de fotografía seleccionar la cámara que se utilizará para hacer una película. El director de fotografía tendrá que decidir si utiliza una cámara de cine o una digital, qué tipos de objetivos se utilizarán, qué ajustes de cámara se necesitarán y qué otros equipos serán necesarios.
Si la película tiene un gran presupuesto, no significa que se pueda utilizar para conseguir una cámara cara. Hay que tener en cuenta muchos otros factores, como cuántos objetivos se necesitan, cuánto costaría el montaje de la iluminación, etc. El principal factor decisivo para seleccionar el equipo debe ser su capacidad para contar la historia. Incluso las películas que tienen un presupuesto millonario utilizan opciones más baratas si sirven mejor a la historia.
Con una cámara de película se pueden mostrar las vetas y la textura. La cámara digital, en cambio, ofrece una imagen limpia. Las cámaras digitales también permiten utilizar un obturador más amplio que las cámaras de película. También se puede disparar en diferentes formatos de archivo, lo que ayuda a dar más flexibilidad en la postproducción.
Objetivos
Los objetivos de focal fija son los más utilizados en la realización de una película. Los objetivos prime tienen una distancia focal fija y ofrecen resultados de mucha más calidad que un objetivo zoom. Los directores de fotografía utilizan los objetivos de 21 mm y 28 mm para conseguir una toma amplia, 50 mm para tomas medias y de 85 mm a 105 mm para tomas de retrato. Una de las monturas más comunes para los objetivos en las producciones independientes es la montura Canon EF. Mientras que en las grandes productoras se utiliza la montura ARRI PL. Los objetivos se pueden intercambiar utilizando aumentadores de velocidad o adaptadores.
¿Cuáles son las técnicas cinematográficas más comunes?
Encuentra una solución creativa
Encontrar formas diferentes y únicas de rodar puede conducir a una técnica cinematográfica que ayude a conseguir el objetivo visual del director. Esto también puede requerir la elaboración de una estrategia detallada sobre cómo realizar las tomas. Cuando Stanley Kubrik rodó la película Barry Lyndon, el director de fotografía John Alcott quería rodar toda la película con luz natural. Incluso querían superar los límites rodando con la luz de las velas en las escenas de interior. Para ello, tomaron prestada una lente especial de la NASA que lo hizo posible. Y el resultado de todo este esfuerzo fue una obra maestra.
Concéntrese en la historia
El estilo cinematográfico creativo es importante, pero no más que la historia. Si una historia no es buena o no se muestra adecuadamente, tener sólo buenos efectos visuales o técnicas no hará que la película sea grande.
A este respecto, Roger Deakins, el gran director de fotografía, dijo "No hay nada peor que una toma ostentosa o una iluminación que llame la atención, y que digas: 'Oh, vaya, eso es espectacular'. O esa toma espectacular, un gran movimiento de grúa, o algo así. Pero no es necesariamente adecuado para la película: saltas, piensas en la superficie y no te quedas ahí con los personajes y la historia". El aspecto visual de la película debe basarse en el factor que la hace mejor.
Gestionar el tiempo de forma eficiente
La cinematografía es un trabajo muy intenso. Hay que interactuar constantemente con varios jefes de departamento. El tiempo, como el dinero, nunca será suficiente. El primer director de fotografía estará en tu cabeza para terminar las tareas y, en última instancia, la película a tiempo. Es mejor planificar a fondo la cobertura, los montajes y los planes de iluminación antes de empezar el rodaje. Un director de fotografía puede utilizar varias herramientas para gestionar sus tareas.
Conocer el guión
Aunque un director de fotografía debe tener conocimientos técnicos, la creatividad desempeña un papel igualmente importante. Muchas veces, el director de fotografía y el equipo de cámara no conocen bien el guión. El director de fotografía, con un conocimiento profundo del guión, puede aportar nuevas sugerencias y preguntas para mejorar la película.
Utiliza el equipo adecuado
Hacer una gran película no significa tener la mejor cámara y los mejores objetivos. Un director de fotografía tiene que aprender qué equipo puede ayudar a conseguir los objetivos finales. Esto puede significar no utilizar necesariamente el paquete completo de Alexa; incluso las cámaras ENG pueden hacer el trabajo.
Aprender de los mejores
Los grandes directores de fotografía también han aprendido de los grandes que les precedieron. Un director de fotografía puede adquirir conocimientos y transmitirlos a la siguiente generación mejorando las técnicas cinematográficas. Orson Welles, que realizó la aclamada película Ciudadano Kane, dijo que John Ford le inspiró mucho. El legendario director de fotografía John Ford es conocido por inventar varias técnicas de iluminación y de cámara, como el western y el claroscuro. Welles aprendió las técnicas de Ford y creó sus propios clásicos y desarrolló innovadoras técnicas de iluminación.
Haz pruebas de la cámara
Es fundamental realizar las pruebas adecuadas antes de un rodaje. Varios componentes pueden fallar en el momento del rodaje. Un director de fotografía puede hacer la prueba de cámara utilizando carros de chips, cartas de colores y modelos. Además de las pruebas, también es importante el manejo y el mantenimiento del equipo.
Encuentra la mejor localización
Una buena localización puede elevar la película a otro nivel. Fíjate en la iluminación y las condiciones meteorológicas en diferentes momentos del día y del año. Una buena localización significa que el director de fotografía y el equipo tienen que trabajar menos. Una mala localización supondría un mayor esfuerzo para conseguir el resultado deseado.
No dependa de la postproducción
La mejor manera de obtener buenos resultados es hacerlo bien en la cámara. La postproducción puede ayudar, pero no hará que un vídeo mal grabado sea bueno. Trabajar en la postproducción te llevará más tiempo y dinero. Un buen director de fotografía hace uso de la localización, la iluminación y otras técnicas de rodaje para que la fotografía sea excepcional.
¿Cómo se llega a ser director de fotografía?
Hacer carrera en la cinematografía no es una tarea fácil. Y no hay una única manera de convertirse en director de fotografía. Por lo tanto, es beneficioso formarse en cinematografía analógica o digital. La educación dará una mejor imagen de la industria, además de enseñar sobre el tema.
Una persona puede hacer un curso certificado, un grado asociado o una licenciatura en cinematografía. Para ofrecer puestos de trabajo en cinematografía, los empleadores prefieren un candidato con una licenciatura.
Un curso certificado enseñará a los directores de fotografía las técnicas de una manera rápida. Incluye el aprendizaje de la cámara y la iluminación, así como de los materiales cinematográficos. El grado de asociado incluirá la preparación de los fundamentos del cine y la televisión, junto con la cinematografía, la dirección y el diseño de sonido. La licenciatura proporcionará formación práctica sobre rodaje y montaje, iluminación, producción, animación y habilidades de gestión. También requerirá que los directores de fotografía trabajen en un proyecto cinematográfico al final del curso.
Una vez terminada su formación, pueden buscar trabajo como asistentes de producción (PA) en un plató de cine. De este modo, la persona aprenderá las habilidades que utiliza un director de fotografía. Una persona no suele convertirse en director de fotografía inmediatamente después de su formación. Hay que ser segundo ayudante, primer ayudante y, por último, la persona que maneja la cámara.
Un director de fotografía puede empezar a trabajar en películas independientes al principio de su carrera. A continuación, pueden ascender hacia el mundo profesional para encontrar trabajos de cinematografía. Trabajar en pequeños proyectos teatrales les ayudará a perfeccionar sus habilidades y a establecer contactos en la industria. Para hacer contactos, los directores de fotografía deben asistir a proyecciones, eventos de alfombra roja, seminarios, etc. Deberían leer las revistas del sector para mantenerse al día de las tendencias y los conocimientos.
Mejores escuelas de cinematografía
Universidad de California en Los Ángeles
El departamento de la Escuela de Teatro, Cine y Televisión de la UCLA es una de las principales instituciones de entretenimiento y artes escénicas del mundo. La escuela ofrece programas de posgrado y de licenciatura en actuación, dirección, escritura, cinematografía, diseño de iluminación y mucho más.
Escuela de Artes de la Universidad de Carolina del Norte en Winston-Salem
La UNCSA tiene un sólido plan de estudios y adopta un enfoque práctico para enseñar. En los dos primeros años, se pide a los estudiantes que rueden varios proyectos digitales, además de enseñarles en detalle la producción cinematográfica moderna. La UNCSA tiene un curso de licenciatura en Cinematografía junto con otros cursos de realización de películas como dirección, animación, producción, guionización, etc.
Universidad del Sur de California en Los Ángeles
La USC es conocida por el gran número de ex alumnos que ha producido, entre los que destacan George Lucas. La escuela ofrece una amplia gama de cursos en las artes cinematográficas.
Conservatorio AFI, Los Ángeles
El American Film Institute ofrece un enfoque práctico para la realización de películas. El AFI cuenta con antiguos alumnos muy conocidos, como David Lynch, Rachel Morrison y Darren Aronofsky. El programa del conservatorio está gestionado por el Centro de Estudios Avanzados de Cine y Televisión del AFI, que tiene cursos de dirección, producción, escritura y cinematografía, entre otros.
Academia de Cine de Pekín
La BFA es la mayor institución cinematográfica de Asia y lleva 65 años funcionando. La escuela de cine enseña todo lo relacionado con la realización de películas, desde la producción, la animación y la cinematografía, entre otras cosas. La academia es conocida en todo el mundo por sus logros en la producción cinematográfica.
Algunos términos cinematográficos
Planos - Los planos son la unidad más pequeña de una película. Un plano está separado de otro por cortes o transiciones. Hay miles de planos en una película narrativa.
Escenas - El número de tomas realizadas durante un tiempo determinado se denomina escena. Cuando se cambia la ubicación, también se produce un cambio en la escena. Las escenas, por sí mismas, tienen un principio, un medio y un final. Y hay varias tomas en una escena.
Secuencias - Muchas escenas juntas forman una secuencia. Las secuencias también tienen un principio, un medio y un final. Una secuencia puede tener varias localizaciones. En una película narrativa hay unas 20 secuencias.
Plano largo extremo - Estos tipos de planos amplios se utilizan cuando hay que mostrar a los sujetos en su contexto ambiental. Este tipo de planos también se utiliza cuando el director de fotografía tiene que mostrar dos lugares diferentes.
Toma aojo de pájaro - La toma a ojo de pájaro también es extremadamente amplia, pero se toma desde el ángulo superior. En este tipo de plano, los patrones comienzan a emerger de una escena. Se suele ver al principio de una película.
Plano largo - En el plano largo, la gente puede ver lo que ocurre en un área, pero no está lo suficientemente cerca como para tener una conexión personal con el sujeto. El espectador se siente parte de la escena como si estuviera viendo a alguien desde la distancia.
Plano medio - El plano medio se utiliza normalmente para mostrar a personas en pequeños grupos en los que hay un intercambio de diálogos. Este plano no llega al nivel emocional. La idea es mostrar lo que ocurre en un área pequeña. El plano suele estar encuadrado de la cintura para arriba de una persona. Si la toma tiene un poco más de luz, se mostrarán las emociones del actor.
Primer plano - En el primer plano, se muestra sobre todo el rostro de una persona para que el impacto de las emociones del personaje se transmita a los espectadores.
Primer plano extremo- Cuando veas un primer plano extremo de los ojos, la mano o cualquier objeto, piensa en ellos como planos de primer plano extremo. Estas tomas se utilizan para hacer una escena intensa.
Dutch Angle Shot - El Dutch Angle Shot se utiliza cuando un director de fotografía tiene que mostrar una falta de estabilidad o cuando la escena requiere algo más inquietante. Esta técnica se realiza inclinando la cámara hacia un lado hasta que la parte inferior deja de estar paralela al horizonte.
Toma por encima del hombro - Esta toma se utiliza normalmente cuando un personaje está hablando con otra persona o mirando algo. En estas tomas, el hombro y la cabeza del personaje están desenfocados. Y lo que el personaje está mirando está enfocado.
Tilt Shot - El Tilt Shot consiste en mover la cámara normalmente de arriba a abajo o de abajo a arriba. Esta toma, cuando se combina con el mismo movimiento del sujeto, puede dar grandes resultados. Los planos inclinados pueden utilizarse al principio de la película como plano de apertura, o para revelar algo al final de la toma.
Toma panorámica- La toma panorámica es muy similar a la toma inclinada, pero se realiza en horizontal. Esta toma se realiza para mostrar el movimiento horizontal del sujeto o para mostrar el entorno.
Toma con zoom - La toma con zoom se realiza para aumentar el enfoque sobre el sujeto dentro de una escena. Los directores de fotografía han mejorado en la toma de este plano mostrando el zoom de forma más natural.
DollyZoom Shot - El Dolly zoom shot se mueve hacia el sujeto en la pista del dolly con la cámara, mientras que la cámara se aleja suavemente del sujeto.
Toma con grúa- En la toma con grúa, la cámara se desplaza hacia el sujeto en sentido de traslación vertical o viceversa. Este tipo de toma se realiza ahora con drones; antes se utilizaban costosas grúas.
Toma de seguimiento- Latoma de seguimiento utiliza una pista dolly o un dron para seguir al sujeto. Esta toma muestra más vivacidad al movimiento, lo que no se consigue cuando la cámara es estable.
Plano en primera persona/ Plano en punto devista - El plano en punto de vista se realiza colocando el soporte de la cámara en el sujeto y mostrando la película desde su perspectiva. Esta técnica se utiliza para hacer la película más atractiva.
Las mejores películas de cine de todos los tiempos
Elasesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007): Roger Deakins colaboró con Andrew Dominik en esta película. La película se cuenta entre los mejores westerns en los que Deakins hace un uso sorprendente de la iluminación. En ocasiones, Deakins utilizó las mismas luces en las propias tomas. Es conocido por hablar con los escenógrafos para incluir el equipo de iluminación en los decorados. Deakins ha conseguido dar a esta película el aspecto de una fotografía descolorida, que tiene un aspecto antiguo pero que sigue siendo nítida donde hay texturas.
El árbol de la vida (2011): El director Terence Malick trabajó con el director de fotografía Emmanuel Lubezki en esta película, conocida por su mejor fotografía. Lubezki elevó la visión del director con su cinematografía de clase mundial. Fue capaz de explorar el contexto espiritual de la película de forma brillante utilizando la luz de forma creativa. La película ha utilizado principalmente la luz natural. Lubezki ha mostrado la lucha entre la vida y la muerte en la película de forma maravillosa. Según Lubezki, trabajar con Terence en esta película fue increíblemente difícil. Era como si el director tratara de crear un error y accidentes, lo que hizo que la película tuviera un aspecto muy natural. Hicieron uso de elementos naturales como el viento, la lluvia y el sol en la historia, lo que les ayudó a captar los momentos más bellos que no duran mucho.
In the Mood for Love (2000): Una de las mejores películas de fotografía, In the Mood for Love, es una colaboración entre tres directores de fotografía: Christopher Doyle, Pung-Leung Kwan y Ping Bin Lee. La cinematografía se realiza de forma tan sigilosa. El espectador tiene la sensación de estar husmeando en la vida de los dos personajes, que desarrollan una relación secreta en la película. La sensación de fisgoneo se consigue gracias a un posicionamiento y un encuadre bien pensados de la cámara. Los planos de seguimiento que muestran la parte trasera de los personajes también contribuyen al misterio.
The Immigrant (2013): Conocido por su mejor fotografía, Darius Khondji, muestra esta película como un clásico difícil de recordar. Khondji ha trabajado en algunas grandes películas como Evita, Seven, Midnight in Paris, etc. Ha sabido mostrar con éxito la escena neoyorquina de los años 20 en esta película, además de hacer más atractivo el sueño americano.
Lejos del cielo (2002): Ed Lachman, el director de fotografía de la película, ha colaborado con el director Todd Haynes en muchos proyectos, pero "Lejos del cielo" está rodada a un nivel completamente nuevo. El reto de Lachman era crear el aspecto de una luz de rejilla aérea, con los tonos de color saturados. En esta película tuvo que trabajar con película de 2002 y, sin embargo, consiguió mostrar las emociones de los personajes con paletas de colores hipnotizantes.
Como aspirante a director de fotografía, necesitas tener un sitio web bien estructurado que muestre tu cartera de forma limpia y minimalista. Tu sitio web representará tu estilo de trabajo y atraerá más clientes y consultas. Las oportunidades abundan, pero tienes que asegurarte de que los espectadores entienden la idea y el concepto que hay detrás de tu trabajo, ya sea la cinematografía, la producción de vídeo o la dirección.
Gurpreet Singh
